DUPĂ O DIPLOMĂ

Absolvenți în industrie și instruire în fotografie

Imagistica analogică bazată pe fotografii este împinsă din ce în ce mai mult, potrivit producătorilor de camere. De fapt, fotografia analogică este încă importantă, chiar dacă a cedat locul altor proceduri și soluții în multe domenii. Aceasta înseamnă, printre altele, că aplicarea sa, imagistica sa, utilizarea sa în realizarea ideilor artistice depinde de alegerea creatorului de imagini.

Semnificația imaginii nu a scăzut. Dimpotrivă, devine din ce în ce mai important, din ce în ce mai dependent, dorit, așteptat și adorat. Indiferent de reprezentare, imaginea este aproape întotdeauna ridicată la un obiect simbolic. Scopul este de a glorifica, deține și expropria persoanele și lucrurile văzute pe ea. Imaginea devine un instrument sau, în alte privințe, o dovadă a acestui proces.

Responsabilitățile fotografilor de astăzi cresc în proporție directă cu semnificația imaginilor, frecvența și importanța prezenței lor. Cu toate acestea, foarte puțini sunt conștienți de această responsabilitate și chiar mai puțini sunt conștienți de consecințele iresponsabilității.

Creatorii care și-au arătat disponibilitatea, aptitudinea și conștientizarea pentru lucrarea lor de disertație în acest an nu sunt într-o poziție ușoară, deoarece nu mai sunt sau nu sunt capabili să arate un nou „revoluționar” (instrumentele lor pot să nu fie întotdeauna acolo). Provocarea este mare, dar pentru majoritatea dintre ei, determinarea și ambiția sunt aceleași.

Anul acesta, trei persoane din departamentul Intermedia al Universității de Arte Frumoase au ales fotografia „tradițională” (cel puțin parțial realizată analog); În domeniul fotografiei Departamentului de comunicare vizuală al Universității maghiare de arte aplicate, tehnicile analogice au apărut amestecate cu metode digitale, unele combinate în mod clar cu altele, dar cele tradiționale (adică nu abstracte și care descriu fenomenele, motivele și obiectele în afara lumii) sunt în mod clar unice. Cu toate acestea, în cadrul acestui lucru există mari diferențe atât din punct de vedere conceptual, cât și calitativ. În aceasta din urmă mă refer la relația creatorului cu subiectul, pregătirea, profunzimea, temeinicia, atitudinea emoțională a acestuia.

În cazul absolvenților secției Intermedia, motivația emoțională pare să fie împinsă în plan secundar pe lângă dezvoltarea unei idei artistice.

Nóra Bozsogi a pus o problemă complexă de istorie tehnică și filozofie a artei, a încercat să o exploreze atât teoretic, cât și tehnic. Picturile sale de dispariție fac parte dintr-o tradiție veche de zeci de ani, una dintre operele de artă care se deteriorează, adică se eradică treptat. Această percepție și atitudine față de operă pune sub semnul întrebării funcția legitimată istoric a operei de artă de la început și respinge rolul operei de artă pe care o joacă în viața destinatarului prin contemplarea sa. Unul dintre momentele importante ale operei de artă este durabilitatea, care permite examinarea și contemplarea în profunzime. Pe lângă toate acestea, el contrastează noțiunea de operă de artă tradițională (care face obiectul un artefact) cu avântul consumului și sentimentul trecător de fericire resimțit într-o fracțiune din satisfacția dorințelor, urmată din nou doar tânjind după altele noi și mai noi.

János Fodor abordează fotografia dintr-un punct de vedere complet diferit, istoria și creatorii săi, care au devenit acum istorici. Colecționează imagini, motive și obiective turistice, pe care nu doar le ridică, ci și le structurează, le organizează și le plasează. Figurile importante și semnificative din istoria artei și fotografiei îi dau modelul. Stilul, gesturile și viziunea lui Brassa?, Gardener, Walker Evans și altele sunt evocate în fața noastră. Totuși, cele mai interesante picturi ale lui Fodor sunt cele în care tiparele găsite în locuri publice, combinații formate la punctul de întâlnire al diverselor materiale, formează în mod spontan obiecte care pot fi percepute chiar ca lucrări intenționate, dar datorită posibilității lor, acest lucru nu se întâmplă până când îi scoate în evidență în film. din mediul lor original și nu creează șansa ca „semnele” să devină vizibile într-o situație specială. Repetă gestul lui Duchamp, cu diferența că nu pune lucrurile banale în sine, ci imaginea lor, creând astfel opera.

Absolvenții Universității de Arte Aplicate și-au abordat practic subiectul din trei direcții. Lucrările angajaților, rapoartelor și conceptelor au fost create cu soluții tehnice omogene sau mixte. Ivett Gál încearcă să arate tensiunea dintre situațiile corespunzătoare rolurilor de gen feminin și masculin prin împerechere stranie (dar nu neobișnuită și chiar foarte obișnuită) a obiectelor obișnuite și mai puțin obișnuite. Ideea sa are posibilități incitante și serioase, totuși a ales elemente vizuale care erau uzate și uzate în acest context. Contradicțiile care decurg din particularitățile celor două sexe, care pot fi realizate în relații sau alte forme de contact formal, nu devin motive de tensiune în imagini. Toate acestea sunt regretabile, deoarece eseurile foto ale lui Gál sugerează mult mai multă empatie, un sentiment sofisticat al semnelor minuscule emanate de la oameni care trăiesc în condiții neobișnuite pentru cei aflați într-o situație normală, percepându-l totuși ca fiind normal.

Seria foto a lui Miklós Gulyás este o continuare dedicată a raportării autonome sau subiective, un gen care se dezvoltă încet timp de un sfert de secol, odată ce apare cu o prospețime și energie incredibile și transformă complet viziunea fotografică din Ungaria. După cum arată numele - și, desigur, picturile lui Miklós Gulyás - reprezentanții și teoreticienii acestei concepții sunt în favoarea autonomiei creatorului și a semnificației și relevanței vederii subiective. Crescând într-o abordare care proclamă sinceritatea fotografiei, creatorii care au găsit contradicții și au vrut să le arate în modul de viață teribil de plictisitor și previzibil al Ungariei în anii șaptezeci și apoi în anii optzeci au combinat acest mod de exprimare deschis, direct. cu umorul astringent și scrierea de sine a regiunii. Prin urmare, poate că distanța specială care caracterizează poziția lui Gulyás în raport cu propriile sale subiecte este de asemenea de înțeles. Nu își permite apropierea emoțională, nici măcar nu vrea, pentru că îl privește critic, dar nu cu dispreț, deoarece este conștient de motivele și de ce, nu doar de contradicțiile comice ale situației. Acest lucru este sporit de vederea editată cu precizie, de dizarmonia echilibrată și de simțul extraordinar al lui Goulash pentru a evidenția momentul important.

În studiul său care îi însoțește munca, Zita Kismarty-Lechner subliniază că locul în care și-a realizat materialul este un studio de televiziune privat, în mijlocul căruia tocmai a intrat în el. Pe baza imaginilor, ne poate veni în minte că mediul nu este probabil străin de el, totuși el simte indecizie, lucru pe care el însuși îl susține atunci când mărturisește că a căutat ceva în contemplația sa pe care l-a simțit prezent, dar nu a putut să-l definească. mai mult, mai degrabă doar deduce din scenă., din prezența persoanelor, din evenimente. Pozele au fost realizate pe o perioadă mai lungă de timp. Aceasta i-a oferit lui Kismarty-Lechner ocazia de a-i dezvălui sistemele de relații, schemele și elementele individuale din acest sistem, care sunt ele însele persoanele care se întorc în studio. Ei, conform imaginilor, nu sunt altceva decât piese ale acestui sistem, par puțin ciudate, puțin străine în mediu, stau încordați, stau sau sunt doar acolo. Un fotograf în poziția de observator nu pare să ia o poziție sau să-și formeze o opinie. La urma urmei, compasiunea și compasiunea cu personajele sunt de conceput, dar la fel este un fel de regret și dispreț. Fotograful nu decide pentru privitor.

Viktória Körösi își folosește modul ales de a face poze pentru a încadra diverse motive și forme într-un singur cadru. Creează o lume picturală sterilă în care formele geometrice selectate își pierd aproape complet trăsăturile unice și sunt reduse doar la proprietățile care definesc forma lor de bază a existenței. Pentru aceasta, Körösi a selectat pentru spectator detalii mai puțin importante ale operelor bine cunoscute din istoria artei, dar totuși decisive pentru semnificația artistului sau a operei. Îi arată în mod deliberat într-o situație în care devine evident în ce măsură își pierd semnificația fără gânduri artistice, individualitate, geniu creator, mijloace de exprimare artistică, context cultural și istoric. În mediul pe care îl definește, totul devine imponderabil, în spațiul aparent gol, lumina eterică strălucește în jurul detaliilor selectate care sunt considerate importante, sfâșind complet definirea ei, cu excepția singurelor forme definite exclusiv de lumină.

Chipurile triste ale băieților tineri ne privesc din imaginile lui László Krajcsó: se holbează în fața lor, slabe, slabe, resemnate. Fundalul alb scoate în evidență cifrele din sistemul realității, pe care Krajcs le îmbunătățește cu piesa vestimentară, care este de asemenea albă și complet lipsită de sens, aparând doar un mic detaliu, închizând linia feței de jos. Modelele sale sunt plasate în afara timpului și spațiului, iar fețele lor, în ciuda trăsăturilor lor unice, sunt greu de distins între ele. Este aproape suspect că ne confruntăm cu trăsături modificate la aceeași persoană. Dar nu. Cu toate acestea, există ceva în comun la persoane; emoțiile, gândurile, destinul, originile, limbajul lor? Nu se poate decide, dar s-ar putea să nu mai conteze. Acest lucru face misterioase portretele cu granulație fină ale lui Krajcs. El nu lasă personalitățile să se desfășoare, dă mai mult din ele decât vrea să transmită.

Proiectul lui András Ridovics analizează componentele fotografiei și fotografiei, examinează mecanismele de creare a imaginii și prezintă responsabilitățile și sarcinile creatorului și ale actorului în procesul în care se formează spectacolul. El ilustrează toate acestea cu ajutorul unei reacții tehnice în lanț fundamental simple, care depășește în mod necesar posibilitățile fotografiei. Cu ajutorul acestui lucru, modelarea devine posibilă, un experiment care oferă destinatarului posibilitatea de a se poziționa în poziția creatorului, de a-și imagina propriile posibilități, dar în același timp creează imaginea din care devine parte și chiar și persoana sa este indispensabilă. Ridovics complică și mai mult situația spunând că toate acestea au loc ca un proces sincron. Această simultaneitate devine nu numai completă, ci și perceptibilă, în care timpul de creare și vizualizare a imaginii este proiectat unul peste celălalt. În acest sistem, conceptele de timp și spațiu sunt reinterpretate, astfel se creează sistemul intern al acestei opere complexe, care, în întregime, poate fi experimentat și perceput doar de către observatorul din afara acestuia.

Reprezentarea picturală a dansului și a baletului în interiorul acestuia a atras nenumărați creatori cu lumea sa intimă și închisă. Zoltán Sípos a ridicat bara. El a trebuit să demonstreze acest lucru într-o zonă în care comparațiile și competițiile au loc automat, iar aceasta a fost o povară mare pentru el. Fotografiile sale fluierătoare sunt spectaculoase, dar nu fascinante. Sunt frumoase, dar pe ele există atât de multe lucruri care nu ar trebui să fie prezente. Poate că motivul este că rămâne foarte departe de evenimente, de oameni și deci de tensiuni emoționale și gânduri exprimate prin gesturi. Nu are niciun contact cu oamenii din imagine, așa că nu putem face parte din lumea fantastică a coregrafiei care se desfășoară în timpul repetițiilor. Nu putem experimenta nimic din bucuria dansului, nici din luptele pe care dansatorii le luptă cu ei înșiși pentru cea mai perfectă serie de mișcări care își depășesc propriile limitări fizice. Whistle s-ar putea să nu fie interesat de toate acestea. Dar dansul este încă alcătuit din aceste momente. Se pare că această lume i-ar fi străină, el se retrage din ea și astfel ține privitorul departe de el.

Ne vom întoarce la Gergely Szatmári și la lucrările sale - conform planurilor noastre - în numărul următor, pe durata unei discuții mai lungi.