Schцpflin Aladбr Introducere

Vest ·/· 1938 ·/· 1938. Nr. 6 ·/· Asculta ·/· Sznnhбz

Schцpflin Aladбr: Bemutatуk

Momentele liniștite și calme sunt bune pentru sala de sport atunci când oamenii caută puțină emoție după o zi liniștită. Când starea de spirit este tensionată afară, în oraș, emoția zilelor este redusă la tăcere de emoția teatrală a serii. Aceasta este ceea ce am experimentat în această lună a lunii, când țara a trecut printr-un ușor șoc nervos. Plângerea a fost auzită foarte repede: publicul a rămas în urmă. Planta, desigur, a mers mai departe, prezentările au urmat din ce în ce mai mult, concurând cu mai mult sau mai puțin succes pentru harul comunității. Într-o lună, trebuie să vorbesc despre prezentarea a zece lucruri noi, care este cu siguranță un număr drăguț.

Bărbatul este interpretat de József Tнmб. Se știe că a preluat rolul doar cu două sau trei zile înainte de spectacol; un semn de măiestrie excepțională, că era cufundat pe deplin în el însuși și că toate cuvintele și accentele sale erau încă la fel de sigure ca și cum ar fi fost în spatele unei serii de repetiții atente. Esența rolului este că el trăiește cu adevărat doar în primul act, în viitor femeia îl introduce doar la majordom, la pivniță. Este imposibil să raportezi acest lucru perfect pe scenă. În prelegeri mai vechi, Sándor Hevesi a încercat să rezolve acest lucru păstrând figura masculină a sufletului care se întoarce în întuneric, doar fața lui fulgerând în lumina reflectoarelor. Nici aceasta nu a fost o soluție satisfăcătoare și nu a putut fi încrucișată în piesa refăcută. În spectacolul actual, al cărui Adorjn este maestrul jocului, personajul care dă majordomul dispare complet și József Tнmбr îi ia locul. Soluția este similară cu cea folosită de Vngsznhnz în Abisalul lui O'Neill, dar iluzia nu era completă aici sau acolo. Oricum ar fi, scena este perfect realistă pentru astfel de fenomene fantomatice.

Zilahy a făcut ca marea ei experiență scenică să fie utilă în refacere, dar nu a reușit niciodată să elimine complet anumite nereguli structurale, care nu au fost inițial derivate din incertitudinea inițială, ci din natura temei. A devenit mai conștient la mijloc, dar se teme că piesa părea mai proaspătă în prima sa formă.

Degeaba, acești francezi nu numai că înțeleg tehnica, dar pot, de asemenea, să inventeze versiuni noi și noi de figuri vechi și pot reda figuri vechi pentru a le face noi. Ingeniozitatea lor este inepuizabilă, dar până la urmă este doar o chestiune de ingeniozitate și combinație. Astăzi, Bordet este unul dintre cele mai bune, am văzut piese mai serioase, dar își ia locul și pe scenă. Comunitatea franceză, din care lumea interlopă nu este atât de ciudată pe cât este pentru noi, este cu siguranță mai bună decât este literatura vine la noi. Argumentul în care vorbesc personajele sună mai natural în franceză, - Zsolt Harsányi, traducătorul a folosit zadarnicul limbii hoțului maghiar în zadar, funcționează cumva artificial.

Muráti Lili - Páger Antal, Komбr Jъlia - Rбday Imre, - aceste două perechi conduc jocul. În acest fel, Murbti și Ráday iau exemplul celui mai mare succes, primul are un set bogat de pui și îl folosește risipitor, cel de-al doilea știe multe despre lipsa de experiență angelică. Nici împotriva celorlalți doi nu există nicio plângere, nu ar fi crezut că ar putea sări atât de proaspăt și de puternic, încât acesta din urmă face foarte bine raționamentul burgerului epuizat. Într-un rol de episod, József Bihary oferă câteva momente excelente spectacolului.

De asemenea, o crimă și chiar un jaf de bijuterii este interpretat de către spionierul Tolakodу, piesa lui André Julien du Breuil, care a fost interpretată de Stage Art. Cu toate acestea, amuzamentul acestui fapt nu îi conferă un drept pe scenă; formele convenționale de situații forțate sunt semnele distinctive ale mediocrității. Curând s-a stins din viață, deși actorii, în frunte cu Mezey Mábri, au încercat să-i dea viață.

Ceea ce este și mai izbitor este succesul neașteptat al Fără accidente la gimnaziul interior. O nouă poveste îi este deschisă, ca să spunem așa, tânărul de la bătrânețe, Salt Endré. În primul rând, apare pregătirea etapă surprinzătoare, situațiile piesei se succed exact, conform legilor logicii boeme, figurile sunt în continuă mișcare, nu există niciun moment irositor sau gol în complot. Apoi, veselia iresponsabilă, tinerească, modestia cerințelor autorului asupra sa, are un efect plăcut. Nu vrea altceva decât să-l amuze, să-i facă pe oameni să râdă cu umor cinstit, dar o face cu gust, nu forțează râsul din oameni. Ideea sa de bază este foarte bună: o mireasă care abia s-a întors de la nuntă - chiar și o fată - fuge de acasă, așa cum este, pentru a afla ce fel de neînțelegere a condus-o la Inelul de Aur, care a făcut-o inel grozav. Este deja o parte a desenului natural al bohus-urilor pe care, în timpul expediției, își găsește o favoare specială decât cea pe care a jurat-o în timpul zilei - desigur, după complicații care nu pot fi crezute decât pe scena boho. O broșură bună este mai mult decât o imagine de ansamblu a unei tragedii proaste.

Ce face acest nou autor este o simplă etapă, fără alte pretenții. Dar o face bine prin faptul că joacă roluri influente, care acționează bine și fiecare actor care joacă în piesă are șansa de a produce ceva. Ida Turay a primit probabil cel mai dezamăgitor rol din cariera ei; într-o petrecere de nuntă, se implică în tot felul de situații ciudate, - în mascaradă amuzantă, pe care o face proaspătă, direct, vesel. György Nagy nu este în rolul omului mare din imaginea de ansamblu - nu l-am văzut atât de bine în acest sezon; Există o greșeală în rolurile sale - această încărcare este întotdeauna în loc dacă am văzut un jucător bun care joacă mai puțin bine. László Szilassy arată acum ceva care nu este doar un tânăr arătos, ci și o actriță. Mábria Simonyi, Sándor Gуth - directorul expertului în prelegeri - Lajos Boray, Zsuzsa Simon și ceilalți, adaugă ceva succesului. Etapa amuzantă a câștigat un nou autor, de la care publicul se poate aștepta la multe seri bune.

Marele succes teatral al lui Csokonai merge la un număr special, iar apoi la încă o jumătate de secol după moartea poetului. Etapa Independentă, condusă de Ferenc Hont, a jucat în Várrosliget, numeroasele furtuni din fostul grajd, care acum se numesc Erzsйbetvárosi Színhház.

Este sigur de la Csokonai că ar fi putut fi dramatic dacă, la vremea când a trăit, ar fi existat o cultură teatrală maghiară. Nu există informații despre dacă a fost în viață în teatru - cel mult la Pest sau la Bratislava în timpul dietei, dacă ar putea vedea un spectacol teatral și ar fi totuși german. Dar el avea o fantezie teatrală înnăscută - asta am văzut deja înainte de războiul din Karnyuné, vândut de Occident; a citit câteva piese germane, se pare că a învățat de la ei cum era o piesă. A reușit să pună figuri pe scenă, mai ales pentru trăsăturile sale tipice. Există și prospețime în dialogurile sale, oamenii lui vorbesc uneori într-o recuperare surprinzătoare. Inima omului, dacă te gândești la ceea ce ar fi putut fi din el dacă s-ar fi născut din ce în ce mai bine.

În Tempefi, oferă o imagine personală a amărăciunii epocii sale. El smulge din aer figuri foarte bine prinse: domnul bogat, care sacrifică mai mult decât orice literatură, domnul snob, tipograful om de afaceri numerotat, domnul nobil imperial, fabricat de rimă, care trăiește pe scena de vânzare pentru o perioadă lungă de timp. De aceea ar trebui să aibă un loc mai mare în drama maghiară decât i s-a acordat până acum. Prima încercare serioasă într-o etapă de reprezentare a societății maghiare din acest an.

Expresia propriei neînțelegeri, a curajului amar, este figura lui Tempefi, adevăratul poet care este disprețuit, nici nu vor să știe, cei care ar fi chemați să refuze să-l ajute. De aceea, el atrage lumea maghiară cu o asemenea batjocură - să simtă marea, sinceră durere sub forma poetului melancolic de astăzi. Fiecare cuvânt amar provine dintr-o amărăciune personală: a simțit un bănuț nefiert, s-a simțit el însuși, destinul, furia, durerea. Figura frumoasei contese emoționante, ființei vii unice care s-a simțit alături de ea, ar fi văzut-o - dacă ar fi avut o astfel de contesă! Dar a văzut, a cunoscut și a suferit de la celelalte figuri. De aceea, piesa sa este încă în viață astăzi, din toate aspectele structurale, vizuale și conceptuale.

Nu numai că este viu, dar este și actual. Întotdeauna există cuvinte care strălucește în atmosfera de astăzi și, în cele din urmă, citim un protest furioasă și furioasă din piesă în numele culturii, adevărului și libertății, în numele lumii, al celor umiliți, persecutați, asupriți, asuprit, este posibilă o astfel de soartă mizerabilă a unui om spirit. Această actualitate a fost resimțită de tinerii preponderent din piesă, iar teatrul a fost plin de o atmosferă atât de fierbinte de succes, încât am putut asista doar la ocazii excepționale.

Scena Independentă nu a interpretat, desigur, piesa în forma sa originală. Lucrarea dramaturgică a fost realizată de András Benedek și István Nagypá, omițând părți invendibile, dar în dialog au aderat la cuvintele lui Csokonai, nu au inclus niciun text, care nu este anul. Doar piesa inițial neterminată a fost finalizată, tot conform intenției poetului. Scena poveștii bătrânului țăran a trecut prin cea mai profundă schimbare. În textul original al lui Csokonai, acest lucru face ca oamenii cultivați să fie mai puțin interesați de udarea necultivată. În versiunea revizuită, acesta este opusul: în povestea țăranului, contesa se împodobește, aproape îmbrățișând cultura populară. Această schimbare a fost necesară datorită marii diferențe atmosferice care există între cultura populară și epoca lui Csokonai în domeniul culturii populare. Melodiile incluse în versuri au fost compuse de Vándor V. Sándor din fostele melodii maghiare.

Directorul, Ferenc Hont, a făcut o treabă foarte frumoasă. A fost nevoie de puțină muncă și talent pentru a crea un astfel de rezultat cu atât de puține instrumente, fără resurse financiare, bazându-se doar pe entuziasmul tinerilor săi actori. Dar aveam nevoie și de această primitivitate. Cu instrumentele materiale și coloranții unui teatru obișnuit, piesa ar părea în cel mai bun caz o curiozitate - așa cum am văzut, am reușit să ne potrivim mai bine în aerul lui Csokonai. Printre tinerii actori entuziaști, trebuie să evidențiem cele două personaje principale. Elizabeth Hont a reușit să evite pericolul sentimentalismului excesiv cu un joc simplu, cinstit și a întâmpinat-o pe dragă contesă cu sinceritate caldă. Discursul drăguț și clar al lui Endre Gellért, jocul expresiv Și-a adus bomboanele pe scenă, după figura simpatică a poetului.

Stadiul independent a parcurs un drum lung cu această performanță. A câștigat publicitate și încredere în sine. Așteptăm cu interes lucrarea dvs. viitoare cu interes.

Congresul euharistic a pregătit o secțiune a teatrelor pentru autodeterminare și și-a îndreptat atenția asupra ideii de religie. Mulțumită performanței a trei piese care au atras o atenție serioasă asupra acestei atmosfere.

În primul rând, Pest Gym a venit cu Strindberg Husvét. Astfel, acum un sfert de secol, Strindberg era unul dintre cele mai des menționate nume din Germania și Ungaria, iar cărțile și capodoperele sale erau foarte populare, erau întotdeauna menționate și, ca de obicei, era foarte apreciat. Astăzi, cu greu putem auzi despre asta, spiritul chinuit, pasionat, sumbru al atmosferei postbelice, lipsa completă de armonie, care este esența sa.

În Hôvvét, el a căutat cel puțin armonia, dizolvarea cu bună credință. Familia tânărului elev plutește deasupra lui ca un nor întunecat în amintirea grea a tatălui delapidat. Când s-a terminat cortina, elevii și familia sa se luptă cu necazuri amare, iar furia companiei sale îl face să se simtă neliniștit, iar furia sa cu mânie. De joi până duminică, acești nori se îngroașă într-o catastrofă, cel mic este suspectat de furt, profesorul crede că este copleșit de mireasa și prietenul său, execuția este copleșitoare. Elevul, în felul său, completează pasiunea călduroasă până când apare creditorul, o cavitate ascuțită, dar cinstită, în formă de inimă, îndepărtează elevul de deteriorarea materială și dsacsa, Geniul a adus tragedia rece și exaltarea în viața unui om sărac. Este o idee drăguță, dar a devenit o bucată de aer monotonă și sufocată, nu este ușor să vă conectați la aerul dens.

Performanța nu a ajutat în acest sens. Nu face vocile umane ale piesei suficient, ne simțim întotdeauna ca o scenă, ceea ce ar trebui să simțim ca viață, ceea ce ar trebui să simțim ca viață. O adevărată exagerare, când Somlay Artur intră pe scenă în actul al treilea, el umple scena cu dimensiunile unei fete, oferă o imagine de caracter uman complet și aproape își ridică partenerul, Perényi László. Printre celelalte, Orsolya Elizabeth formează o figură intimă de la mama profesorului cu instrumente simple.

Gimnaziul Național a transmis spiritului Congresului interpretând două piese străine religioase. Unul dintre poeții englezi de astăzi, de T. I. Eliot, este Murder in the Cathedral. Aceștia au fost prezentați în Sala Camerei Naționale sub titlul Victoria credinței. Cel mai bun poet de religie engleză de astăzi este Eliot; Tamás Becket și-a scris memoriile până în 1935 și le-am vândut mai târziu, cu mare și mare succes la Mecury Theatre din Londra.

Aceasta este o practică neobișnuită în etapa de astăzi și poate fi abordată cu standarde dramaturgice general acceptate. Poetul a folosit curele de către greci: așa se întâmplă ca evenimentele de pe scenă să răsune în discursul reclamantului. Există, de asemenea, ceva despre misterul medieval în piesă. Principalul lucru este că toate efectele sale, sensul întregului, nu sunt exprimate în act, dar în dicție, cuvintele sunt dramatice. Și aceste cuvinte sunt cuvintele unui poet. În aerul limpede, ele se ridică în sus, au subtilitate și putere, iar gândul se formează la fel de clar prin ele ca și cum am fi fost văzuți printr-un cristal. Poetul întoarce scena la numărul cuvântului rostit, care a fost sub conducerea actului de mult timp.

Nu mă mir că drama interioară a piesei nu a fost înțeleasă de mulți, deoarece spectacolul nu s-a bazat pe multă înțelegere și nu a înțeles prea multe. Dramele istorice joacă personajele în modul obișnuit, iar ideile care se ridică deasupra și dincolo de cuvinte se pierd în recitarea lor. Într-o altă manieră, mai puțin realistă, această piesă ar trebui interpretată astfel încât povestea externă să nu ascundă marea poveste interioară din spatele ei, exaltarea zidului unui om. Protagonistul, Brotb Lehotay, ghicește ceva din asta, dar de parcă nu s-ar fi gândit deloc: vorbirea sa blândă și caldă se topește într-un avion care nu se potrivește cu figura uriașă a lui Becket. Masca sa este excelentă și, de asemenea, spune foarte bine începutul. Cea mai bună parte a aranjamentului este cura feminină: în incizii gri lipite de perete în lumina slabă, acestea sunt ca niște reliefuri sculptate. Spargerea cavalerilor, dar discursul său grosolan, are un efect foarte dur. Și nu înțeleg cum am lăsat publicului scena celor patru cavaleri care le explicau asasinatele lor. Ușurarea gărzilor Tamás iese în evidență în acest fel doar prin cunoașterea punctului opus al anului. Acesta este modul în care obținem semnificația istorică a piesei după înțelegerea sa spirituală: Tamás Becket măsoară conflictul dintre puterea papală și cea regală.

Toate acestea se întâmplă în mijlocul unor poezii sonore, mai trofice. Scena sună din rime, totul se învârte prin ritmul ritmului, simbolismul se curbează ca norii baroci ai decorației. În timp ce totul se află pe scenă pe un mecanism adesea foarte vizibil, poeziile conțin poezia piesei, care atinge întregul teritoriu al ideologiei catolice. Exterior: viziune mondială barocă, interior: impuls antemic. Simțim adesea naivitate în construcție, dar există ceva despre frumusețea unei epoci îndepărtate.

Partea scenică a spectacolului ar fi o poezie frumoasă, dar în acest sens putem lăuda o singură parte multor actori: Géza Abonyi, Margit Szabу cel mai mult. Lucrarea directă a lui Antal Nemet și marele ajutor al regizorului au fost seglmos Jaschik, proiectantul scenelor, Teréz P. Nagyajtay, costumier și Ferenc Farkas, autorul muzicii bogate și frumoase.

Piesa lui Йliot a fost tradusă de Miklús Káłlay, Calderon a fost cheltuită de László Possonyi. Amândoi au avut o treabă frumoasă. Kállay a barocat mai bine stilul drept, simplu și curat al poeziei engleze. Possonyi și-a înțeles mai bine vocea originală, poeziile sale de multe ori sună magistral, iar rimele sale sunt adesea surde.

Având în vedere turismul euharistic, Turnul Perlelor a fost stilizat în Teatrul de Artă de Béla Paulini, care l-a transformat într-un spectacol de cabaret. Textul „interpreților muzicali, cântăreți, de dans” compilat din nouă imagini scurte a fost scris de Paulini, cu excepția uneia, care a fost opera lui Elemér Jászay-Horváth. Scenele mici sunt de obicei frumoase prin simplitatea lor. Dansul și cântecul joacă un rol mai mare în ele decât în text, care este complet la locul lor în așa ceva. Totul este asamblat, unele dintre scenele sale sunt cu siguranță foarte frumoase. Astfel, flautul miracol, dansul morții din New Age, imaginile grotești ale siluetei piesei Patkу Bandi și Mine de încheiere sunt dansul de masă stilizat maghiar al finalei. Scenele, cântăreții și mai ales dansatorii și dansatorii din scene sunt perfect compuși, acesta din urmă fiind produs exclusiv de Bordy Bella și Millos Auril, coregraful. Seturile sunt proiectate de artiști remarcabili, inclusiv Pál C. Molnár, István Szõnyi și István Pekбry, cu artă care simulează atmosfera scenelor, în conformitate cu costumele superbe variate proiectate de Klára Sz.

Această prelegere ar putea fi dacă urmărirea începută este dezvoltată în continuare, începutul a ceva bun, un nou stil de cabaret maghiar. Nu știu dacă Paulini are intenția de a face acest lucru, dar dacă nu, ar trebui încurajat.

Teatrul Belváros a sărbătorit faptul că Attila Orbуk a realizat în fața spectacolului o piesă relativ emoționantă cu un act. Ilona Kiszely, Ferike Vidor, Júzsef Barуthy, László Szilassy joacă roluri cheie în interpretarea atentă.